Hörbuch-Kategorie "Kunst & Unterhaltung > Musik" Hörbücher 1-25

Wenn eine Gruppe von Jugendlichen intensiv Barockmusik spielt ist das erstaunlich genug. Wenn aber auf einem Ausflug in ein barockes Schloss die wiederholte Begegnung mit einem geheimnisvollen grauen Herren dazu führt, dass diese Gruppe unversehens ins 18. Jahrhundert versetzt wird und sich in einer Welt wiederfindet, von der sie zwar ein Stück zu kennen meinte, die aber jede Menge Überraschungen für sie bereithält, so verspricht das eine überaus spannenden Geschichte. An deren Ende wissen die fünf Mitglieder der Sulzbacher Hof-Musik und vielleicht auch ihr Lehrer, die während der Reise immer wieder zu ihren Instrumenten greifen und das Erlebte musikalisch begleiten und untermalen dürfen, zwar mehr über das Leben von Prinzessinnen und Fürsten, sind aber doch heilfroh, wieder in die Gegenwart zurückzukehren: Denn dieses Leben beinhaltet nicht nur strahlendes Licht, sondern auch dunkle Schatten...

Dieses Hörbuch enthält 12 Heilmusiken als reiner Klang zum Meditieren und Träumen, zur Entspannung und Raumreinigung sowie 7 gesprochene Tracks mit einleitenden Worten der Einhörner, geführten Meditationen sowie Künstlerbiografien des Channelmediums Melanie Missing und von Sayama, der die lichtvollen Klänge einspielte. Das downloadbare 12-Seiten-Booklet enthält die gesprochenen Texte zum Nachlesen.

DU DARFST DICH AUF DIE FOLGENDEN WUNDERVOLL HARMONISCHEN AUFNAHMEN FREUEN ...

SAYAMA komponierte und spielte diese himmlischen Einhornklänge, mit denen du dich auf eine traumhafte Reise begeben kannst – eine Reise mit und zu deinen Einhörnern an deinen inneren Ort der Ruhe. Sie laden dich ein zum Meditieren, Tagträumen oder einfach nur zum Ausruhen und Entspannen. Wenn du möchtest, lege oder setze dich ganz unbefangen hin und rufe dein Einhorn oder deine Einhörner. Lass dich von der sanften Musik mit ihnen durch Raum und Zeit tragen!

Diese Harmonien sind ideal für Meditationen jeder Art. Obertonreiche Klangräume akustischer Musikinstrumente aus verschiedenen Kulturen der Erde und gefühlvoll gespielte klassische Instrumente führen durch die bezaubernden Melodien, die aufgeladen sind mit der Lichtenergie der Einhörner, zur Harmonisierung von Körper, Seele und Geist. Ein Labsal für alle, die sich mit der Energie der Einhörner wohlfühlen.

MELANIE MISSING hat sich ganz der Mission verschrieben, den Menschen die Weisheit und Energie der Einhörner zu vermitteln. Sie wird dabei durch die Einhornherde der Weißen Bruderschaft geleitet. Die Einhörner unterstützen die Menschen bei der Erfüllung ihrer wahren Lebensaufgabe und helfen ihnen, Veränderungen mühelos zu bestehen.

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Dieses Hörbuch enthält 75 Minuten Heilmusik als reiner Klang zur Meditation und Raumreinigung sowie zusätzliche gesprochene Tracks mit Informationen über die Kompositionen, die verwendeten Frequenzen und den Musiker.

KENNEN SIE KOLLOIDALES MAGNESIUM?

Die vorliegenden Aufnahmen arbeiten mit der Schwingungsfrequenz von reinem Magnesium, die jede noch so kleine Zelle des Körpers erreicht. Das ist vergleichbar mit den Partikeln von kolloidalem Magnesium, die so fein sind, dass sie im menschlichen Organismus die Gesundheit wiederherstellen können. Reines Magnesium entspannt im Körper die Muskeln und verhindert Muskelkrämpfe. Es ist ein natürliches Anti-Stress-Mittel, reguliert den Blutdruck und beugt Herzrhythmusstörungen vor. Es lenkt den gesamten Stoffwechsel, bringt unser Nervensystem zur Ruhe, festigt unsere Knochen und verleiht uns Ausdauer und Kraft. Ohne Magnesium läuft im Körper nichts. Durch seine vielfältige Wirkung ist es der wertvollste Mineralstoff unserer Zeit, ein förmliches Powermineral für jedes Alter. Es ist der Tausendsassa unter den Mineralstoffen.

Im Anschluss an die Heilkompositionen finden Sie mehrere gesprochene Texte über die Wirkung der Klänge, die Herangehensweise bei der Komposition und den Musiker. Im umfangreichen Booklet, das als PDF mitgeliefert wird, finden Sie eine gechannelte Botschaft der SPIEGEL-Bestseller-Autorin und Heilerin Pavlina Klemm sowie eine Meditationsanleitung zur Erhöhung der heilsamen Wirkung.

Die Frequenzen von reinem Magnesium liegen unter 100 Hertz. Die Messungen wurden freundlicherweise von Dr. Elmar Langenscheidt durchgeführt. Das Booklet zeigt auf einem Studiobild die Einsätze dieser Frequenzen im Laufe des Stücks. Die Basisstimmung liegt bei 432 Hertz.

Auf »Kolloidales Magnesium« werden folgende Instrumente und Stimmen verwendet: Chor, Gitarre, Streicher, Solo-Cello, Synthesizer, Harfe, Flöte, Glockenspiel, Flügel, Hang sowie Bachrauschen und Vogelgezwitscher.

MICHAEL REIMANN, 1951 in Berlin geboren, studierte an der Kölner Musikhochschule Dirigieren und Chorleitung. Bekannt wurde er durch seine Solo-Konzerttätigkeit als Multi-Instrumentalist, Obertonsänger und Fachautor. Er war Darsteller beim Saarländischen Rundfunk, Lehrbeauftragter der Saarbrücker Musikhochschule und arbeitete unter anderem mit Joachim-Ernst Berendt und Christian Bollmann zusammen. Seit 1987 gibt er Konzerte und Seminare in ganz Europa. Mehrmals wurde er vom WDR Köln als Pianist engagiert. Studienreisen führten ihn unter anderem nach Bali, Indien und Japan. Im Amra Verlag liegen bereits zahlreiche CDs von ihm vor, teilweise in Zusammenarbeit mit Jeanne Ruland, Wolfgang Saus, Shantidevi und Kerstin Simoné.

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Der wunderbare Schauspieler und Mensch Christoph Quest ist 2020 verstorben und bleibt unvergessen. 2008 hat er lyrische Texte des Wiener Autors und Komponisten Walter Baco interpretiert, die dieser nun mit eigener Musik als Hörbuch gestaltet hat.

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Wie eng Emotionen mit Musik verbunden sind, das erleben die Moderatoren Falk und Ryll regelmäßig in ihrem beliebten Podcast "Mein Lieblingssong“. Im vorliegenden Album haben die beiden zwölf Geschichten an die 70er Jahre sorgfältig zusammengestellt. Im ersten Interview erzählt Andreas Bruhn, früheres Mitglied der Band „Sisters of Mercy“, warum „Heroes“ von David Bowie sein Lieblingssong ist und was er als Bandmitglied von „Sisters of Mercy erlebt hat. Mit dem „Song of the wind“ von 1972 hat Ferdinand Svaricek einen instrumentalen Leckerbissen von Santana ausgesucht. Babička von Karel Gott ist der Lieblingssong von Uta Fussangel. Für Uta ist Babička der ultimative Familiensong und immer wieder auch eine Reise in Kindheitserinnerungen an ihre eigene Oma. Für Artur Frank war der Song „New York, New York“ von Frank Sinatra schon immer sein Lieblingssong. Mit „Your Song“ aus dem Jahr 1970 von Elton John hat Christof Mann vielleicht den „größten“ Song von Elton John als seinen Lieblingssong ausgewählt.

Eine wahre Hymne für Überlebenskraft, Selbstbehauptung und Selbstständigkeit ist „I will survive“ von Gloria Gaynor, sagt Karin Diede-Becker. Durch ein besonderes Erlebnis wurde „Am Fenster“ von der Gruppe City aus dem Jahr 1977 der Lieblingssong von Peter Jumpertz.

Wer ein musikalisches Wimmelbild erleben möchte, kommt an dem Lieblingssong von Uwe Schmalz nicht vorbei. „Jungleland“ von Bruce Springsteen bestimmt seit vielen Jahren Uwes Leben. Was Georg Feltes mit James Brown verbindet, das hat mit seinem Lieblingssong „Listen to the music“ von den Doobie Brothers zu tun. Mit „Music“ von John Miles hat Harry Fröhlich einen epochalen Song aus dem Jahr 1976 als seinen Lieblingssong ausgewählt.

„Ich weiß, was ich will“ von Udo Jürgens steht für Peter Schmitz für ganz viel Liebe und Erinnerungen und prägt sein Leben bis heute. „Wonderful tonight“ von Eric Clapton ist Thomas Felgenträgers Lieblingssong und eine Ballade für die besondere Momente im Leben.

Barack Obamas Buch-Highlight 2021

Als Michelle mit Mitte zwanzig erfährt, dass ihre Mutter an Krebs erkrankt ist, steht die Welt für sie still. Sie lässt ihr bisheriges Leben in Philadelphia zurück und kehrt heim nach Oregon, in ihr abgelegenes Elternhaus, um ganz für ihre Mutter da zu sein. Doch schon ein halbes Jahr später stirbt die Mutter. Michelle begegnet ihrer Trauer, ihrer Wut, ihrer Angst mit einer Selbsttherapie: der koreanischen Küche. Sie kocht all die asiatischen Gerichte, die sie früher mit ihrer Mutter aß und erinnert sich dabei an die gemeinsame Zeit: an das Aufwachsen unter den Augen einer strengen und fordernden Mutter; an die quirligen Sommer in Seoul; an das Gefühl, weder in den USA noch in Korea ganz dazuzugehören. Und an die Körper und Seele wärmenden Gerichte, über denen sie und ihre Mutter immer wieder zusammengefunden haben.

Jazz – für viele ein Zauberwort, für manche vielleicht eine Drohung. Ein vielfach missbrauchtes Wort, nicht nur in unseren Tagen. Ein Sammelbegriff, unter dem man sich sehr Verschiedenes vorstellen kann: rhythmische Tanzmusik, wilde Klänge aus den schwarzen Ghettos amerikanischer Großstädte, fröhlichen Sound an einem warmen Sommerabend, coole Atmosphäre an der Bar zu später Stunde, laszive Begleitmusik zu schwüler Erotik, ausgeflippten Sound für schräge Typen, aber auch hochkonzentrierte Kammermusik für intellektuelle Ansprüche. Wie viel auch immer darüber diskutiert werden kann – die Jazzfans werden sich nie darüber einig sein, wo der Jazz anfängt und wo er aufhört. In einem Punkt herrscht aber – fast – Einigkeit. Wenn man das breit aufgefächerte Spektrum der Jazzmusik auf die ersten Anfänge, auf die Wurzeln zu fokussieren versucht, so treffen sich die unterschiedlichsten Ansichten an einem geografischen Punkt, in New Orleans, der Crescent City an der Krümmung des Mississippi, knapp bevor sich dieser in den Fluten des Golfs von Mexiko verliert. Eine geografische Lage, die der Stadt durch die Launen der Natur in neuester Zeit zum Verhängnis geworden ist, die ihr aber vor etwas mehr als einem Jahrhundert zur Geburt eines Musikstils verholfen hat, der sich von ihr aus über weite Teile der USA, dann über Europa und inzwischen über die ganze Welt verbreitet hat. Wenn es einen Terminus „Weltmusik“ gibt, dann verdient sich ihn der Jazz, denn er liefert den Musikern fast aller Kulturländer eine gemeinsame musikalische Sprache, in der man sich spontan verständigen kann.

Wolfgang Kos erzählt das 20. Jahrhundert in 99 besonderen Liedern. Der historische Scheinwerfer richtet sich auf Zeitstimmungen, Lebensbedingungen und Moden ebenso wie auf kollektive Sehnsüchte, Ängste und neue Ideen, die mittels Songs unter die Leute kamen. In den Songs spiegeln sich Armut und Wohlstand, Konsum­träume und Weltschmerz, gesellschaftliche oder Generationskonflikte. Songs "wirken", weil sie emotionale Identifikation bieten und unmittelbarer als andere Kulturmedien ihre Zeit und ihre Welt auf den Punkt bringen. Auch wenn überlebensgroße Songs aus Rock und Pop im Zentrum stehen, wird ein weites Spektrum aufgespannt: Von den frivolen Schlagern der Roaring Twenties zu Musical und dem "American Songbook", von Widerstandsliedern bis zu übermütigen Tanzsongs der neuen Zielgruppe Teenager. Ein opulenter Wegweiser zu permanent wechselnden Welten und Zeiten.

Was ergibt Paul McCartney inkognito + Punk + 2263 Shows in 22 Jahren?

RAMONES!

Zu Gast begrüßt Andy Brings den Frontmann der DONOTS und Fan von RAMONES Ingo Donot sowie George Dubose, den Hoffotografen der Band. Doch den ultimativen Einblick garantiert Marky Ramone höchstpersönlich! Der Schlagzeuger bringt die ROCK`N`ROLL HALL OF FAME ins ROCK SCHOOL Studio und in Eure Wohnzimmer! ROCK SCHOOL, die Hörbuch-Serie mit Andy Brings, in Kooperation mit dem ROCK CLASSICS- Magazin, veröffentlicht im Hause LAUSCH.

Ehemals Musik junger Abgehängter und Outlaws, ist Heavy Metal heute mehr und mehr in der Mitte der Gesellschaft angekommen: Wohl mehr als 10 Millionen Deutsche hören Heavy Metal. Aber warum tun sie das? Was suchen und was finden sie in dieser Musik, die von Außenstehenden oft als purer Lärm empfunden wird? Warum wimmelt es im Heavy Metal nur so von Monstern und Teufeln - und wieso schweigen auch die Götter und die Engel nicht? Was erleben Metal-Fans, wenn sie ihre Musik hören - und welche Erfahrung treibt sie immer wieder ins Konzert? Wieso lesen sie ständig Musikzeitschriften und hören nicht auf, CDs zu kaufen? Wie ist es zu erklären, dass 40 Prozent der Metal-Fans behaupten, die Musik habe ihr Leben gerettet? Und warum ist Heavy Metal stärker als die Musikindustrie? Worum geht es im Heavy Metal wirklich?

Diese Fragen und mehr beantwortet Hartmut Rosa in dieser kleinen Soziologie des Heavy Metal.

Trompeten und Posaunen, nicht exakt der Tonleiter zuordenbare „Blue notes“ – alles was in der sogenannten „klassischen“ Musik verpönt ist, ist im Jazz gang und gäbe. Doch da gibt es ein Instrument, auf das all das nicht zutrifft. Das Klavier mit seinen 88 Tasten in unveränderbarer Tonhöhe und Tonqualität dürfte eigentlich in der Jazzgeschichte gar keine Rolle spielen. Noch dazu, wo es im frühen New Orleans Jazz, als die Bands durch die Straßen zogen und an den belebten Plätzen der Stadt ihre „cutting contests“ austrugen, aus verständlichen Gründen nicht einsetzbar war. Und wenn man bedenkt, dass ein großer Teil der frühen Jazzmusiker aus der Unterschicht kam, das Musizieren nur neben einem Hauptberuf ausübte, und in den Haushalten der Handwerker, der Arbeiter kaum ein Klavier vorhanden war, dann könnte man denken, dass es nicht unbedingt zu den bevorzugten Instrumenten der schwarzen Musiker gehörte. Und doch war das Gegenteil der Fall.

New Orleans, um die Wende zum 20. Jahrhundert der Schmelztiegel unterschiedlicher Kulturen im Südosten der Vereinigten Staaten, gilt einigermaßen unbestritten als der Geburtsort eines neuartigen Musikstils, der sich später unter der Bezeichnung Jazz in den USA verbreitete und in seinen mannigfaltigen Formen die zivilisierte Welt eroberte. Man muss allerdings unterscheiden: zwischen dem Entstehungsort – der ist in weiten Teilen der Südstaaten anzusiedeln – und dem Geburtsort, wo die neue Musik zum ersten Mal an die Öffentlichkeit gelangte. In der unterhaltungsfreundlichen Atmosphäre der Stadt New Orleans verschmolzen die Musikstile der ehemaligen schwarzen Sklavenbevölkerung der Südstaaten mit der französisch-europäischen Musiktradition der Kreolen und wandelten sich in eine faszinierende Mischung aus Ragtime, Blues, Spiritual, Marschmusik und afro-amerikanischen Tanzrhythmen.

Am Anfang der zwanziger Jahre war der beste Jazz eindeutig in Chicago zu hören, und doch war New York bereits im Begriff, der “Toddling Town” den Rang abzulaufen. Was New York den Musikern zu bieten hatte, war nicht so sehr musikalischer, sondern eher organisatorischer Natur. Hier waren die großen Konzertagenturen zuhause, von hier aus starteten die Tourneen durch die Staaten und hierher kehrten sie zurück. Hier gab es jede Menge an Lokalen, Clubs, Bars, Ballsälen, Varietétheatern, Restaurants, Saloons, Cafés, After Hour-Clubs, Speakeasys – mit einem Wort: Auftritts- und damit Verdienstmöglichkeiten en masse, wie sie keine andere Stadt zu bieten hatte. Und hier hatten auch die großen Plattenfirmen ihren Sitz, später kamen noch die Rundfunkgesellschaften dazu. Der nördliche Teil von Manhattan war das Zentrum mit dem Lincoln Theatre, dem Apollo Theatre, und Harlem mit dem Cotton Club oder Connie’s Inn.

Die amerikanische Musikszene wurde in der zweiten Hälfte der dreißiger Jahre eindeutig vom Swing-Stil beherrscht. Die Big Bands in den Tanzhallen und die kleinen Swing-Combos in den Clubs boten nicht nur stimmungsvolle Unterhaltungsmusik, dort wie da waren auch großartige Solisten am Werk. Die Arrangements in den großen Bands ließen immer wieder auch die Stars der Ensembles zu Wort kommen, und in den kleinen Gruppen stand ja überhaupt das solistische Spiel im Mittelpunkt. Im Publikum dominierten nicht nur die Tänzer. Es gab auch in zunehmendem Maße die anspruchsvollen Fans, die kamen, um zuzuhören, um das ausdrucksstarke Spiel ihrer Lieblinge zu bewundern. Und immer mehr wuchs auch das Interesse des Jazzpublikums an den Hintergründen der Musik, es entstand die erste Jazzfachliteratur. Man beschäftigte sich mit den historischen Fakten, mit den Biografien der Jazzpioniere. Und es erhob sich die Frage, was aus den Hauptakteuren der frühen Jazzstile geworden war.

Wir hören das Wort “Swing” und verbinden es automatisch mit den Big Bands, die in den dreißiger Jahren die Szene beherrschten. Der Begriff „beherrschen“ stimmt dann, wenn wir unter Szene die Dance Halls und die Ballsäle der großen Städte verstehen und die breite Masse des Publikums, der es um das Tanzen und um die Unterhaltung ging. Daneben etablierte sich aber auch eine andere Szene: in den kleinen Clubs von New York, aber auch in anderen Städten. Dort spielten kleine Gruppen, vor einem Publikum, dem es mehr ums Zuhören ging. Meist waren die Musiker Mitglieder der großen Bands. Dort verdienten sie ihren Lebensunterhalt, wenn sie auch nur sporadisch Gelegenheit hatten, als Solisten ins Rampenlicht zu treten.

“Things To Come” – so war eine Aufnahme des Trompeters Dizzy Gillespie mit seiner Big Band vom Juli 1946 benannt: “Die Dinge, die da kommen sollten”, das war nicht bloß ein beliebiger Titel, sondern eher schon eine programmatische Ansage. Der neue musikalische Stil, den man Bebop nannte, bedeutete den Aufbruch in eine neue Ära des Jazz. Dessen waren sich die namhaften Vertreter dieser Stilrichtung sehr wohl bewusst. Erstmals betrachteten sich Jazzmusiker nicht mehr nur als Unterhalter des Publikums, sie waren überzeugt, mit ihrer Musik etwas Besonderes in die Welt zu setzen. Mit einem Wort: sie empfanden sich als Künstler. Und so wie viele Künstler anderer Sparten befanden sie sich in einer Außenseiterrolle.

Es war Anfang der 1950er Jahre, als plötzlich die kalifornische Jazzszene ins Zentrum des Interesses der Jazzliebhaber in aller Welt rückte. Ein neues Zauberwort war geboren: „West Coast Jazz“, geprägt vom Jazzkritiker Stanley Dance. Die Fachleute sind sich heute noch nicht ganz einig, ob darunter ein eigener Jazzstil zu verstehen ist oder nur ein Ableger des „Cool Jazz“, aber das ist eine rein theoretische Frage, ein Produkt des sogenannten „Kastldenkens“, wenn man versucht, jedes Phänomen um jeden Preis irgendwo einzuordnen. Tatsache ist aus heutiger Sicht: Es gab eine spezifische Form des Modern Jazz, die etwas mehr als fünf Jahre lang die Gemüter der Jazzfans bewegte und dann wieder sehr rasch in den Hintergrund rückte. Manches davon ist zu Recht in Vergessenheit geraten, aber eine ganze Menge Aufnahmen von der amerikanischen Westküste haben das halbe Jahrhundert überdauert und sind auch heute noch mit größtem Vergnügen anzuhören.

New York war in den späten zwanziger Jahren der Sammelpunkt von Musikern, die nicht nur aus Chicago, sondern aus allen Teilen des amerikanischen Südens und des mittleren Westens gekommen waren und im reichen Musikleben der Stadt ihr Betätigungsfeld gefunden hatten. Genau betrachtet war es nur die Band von Fletcher Henderson, die hier im „Big Apple“ entstanden war und auch zeit ihres Bestehens hier tätig blieb. Alle anderen Bands hatten ihre Wurzeln anderswo, und man darf nicht übersehen, dass es auch in vielen anderen Städten eine lebhafte musikalische Unterhaltungsszene gab. Ob nun in St. Louis, Dallas, San Antonio, Cincinnati oder Kansas City – die Bands orientierten sich entweder an den Kollegen, die aus New Orleans flussaufwärts die neue Jazzmusik bekannt gemacht hatten, oder sie entwickelten ihren eigenen regionalen Stil. Nur in den seltensten Fällen hatten die lokalen Bands Gelegenheit zu Schallplattenaufnahmen, und daher wissen wir wenig über ihre musikalischen Qualitäten. In St. Louis spielte zum Beispiel Charles Creath mit seinen Jazz-O-Maniacs unter starkem Einfluss von King Oliver und Jelly Roll Morton, während die Missourians wiederum an die lokale Blasmusiktradition anknüpften.

Wir blenden zurück in die Zeit um 1940. Der Jazz ist für viele Amerikaner und auch für so manchen Europäer kein unbekannter Begriff mehr. Die Jazzmusiker haben sich einen festen Platz in der Unterhaltungsmusik erkämpft. „Swing“ heißt das neue Zauberwort, und es steht für eine rhythmisch aufregende, mitunter aber auch süßlich-sanfte Tanzmusik. Die Auftritte der Bands in den Dance Halls werden von den Radiostationen gesendet und machen die Swingnummern in ganz Amerika bekannt und populär. Die Chefs einiger groß besetzter Bands haben sich einen Namen gemacht – Benny Goodman gilt als der „King of Swing“, aber auch Glenn Miller, Tommy und Jimmy Dorsey oder Artie Shaw und Harry James kennt bald jeder. Die Schallplattenfirmen bringen jede Menge neuer Produktionen auf den Markt, in den US-Unterhaltungsfilmen sind die Musiker und Sänger in einzelnen Szenen zu sehen.

Die Geschichte des Jazz war von ihren Anfängen im Süden der USA bis zur Hochblüte des Swing-Stils eng mit dem Begriff „hot“ verbunden, dem englischen Begriff für „heiß“ und auch „scharf“. Übersetzt in die musikalische Sprache bedeutete das: emotional, ungestüm, expressiv, und was die Tonbildung betrifft: rauh, unrein, mit viel Vibrato, der menschlichen Stimme angenähert. Auch der Bebop entsprach noch diesen Idealen, und dennoch begannen die Musiker dafür ein Adjektiv anzuwenden, das sprachlich scheinbar das genaue Gegenteil von „hot“ bedeutete: „cool“. So gab Charlie Parker bei seiner bemerkenswerten Schallplattensitzung vom 19. Februar 1947 einer der Nummern den Titel „Cool Blues“.

Wir schreiben das Jahr 1932. Cab Calloway, der Bandleader und Sänger, ist einer der bekanntesten Persönlichkeiten in der amerikanischen Musikszene. Das breite Publikum kennt ihn weniger wegen der Qualität seiner Band, sondern als den „Hi-De-Ho-Man“, der in seine Gesangstexte immer wieder diese paar charakteristischen Silben einbaut...

Hast auch du Angst vor der Dunkelheit? Dann sei beruhigt. Denn diese Folge bringt Licht ins Dunkel und eine Menge Fakten rund um “Iron Maiden”.

Als Gast begrüßt Andy Brings den Schlagzeuger Johnny Dee (Britney Fox), der sich mit den Giganten des Rocks bereits die Bühne teilen durfte und die Band maßgeblich bei der “Somewhere in time”-Tour in Osteuropa und den USA unterstützt hat. Wolfgang Rott komplementiert die Runde. Seit dreiundzwanzig Jahren promotet er “Iron Maiden” in ganz Europa und verdankt der Presse seinen Spitznamen “Mister Heavy Metal”.

Exklusive Anekdoten von der legendären Tour 1886 und der Arbeit mit der Band sind garantiert. So beweisen nicht nur die Songs von Iron Maiden selbst Pathos, sondern auch die angeregten Diskussionen und Erfahrungsberichte der Stargäste. Pünktlich vor dem Tourbeginn in Deutschland dürft ihr euch am 21.07.23 auf eine Hymne über Heavy Metal freuen!

Matthias Georg Kendlinger, ein Freigeist, der in keine Schublade passt. Eigenwilliger Visionär, dessen Berufung es ist, die Welt ein Quäntchen besser zu machen. Über seine Musik. Über seine Gedanken. Über seine Fragen. Spannend beschreibt er seinen eigenwilligen Weg und die Art, sich autodidaktisch die Welt zu erobern, als Musiker, als Dirigent und als Komponist.

"Leute fragen mich immer wieder, wo der Blues denn eigentlich begann, und alles, was ich sagen kann, ist, dass, als ich ein Junge war, wir immer auf den Feldern gesungen haben. Es war kein richtiges Singen, na ja, eher so Schreien, aber wir machten unsere Songs über Sachen, die uns damals tatsächlich passierten, und ich denke, das war die Zeit, als der Blues begann." (Son House 1965)

Es ist heute unumstritten, dass der Blues einen gewaltigen Einfluss auf die Entwicklung der modernen Rock- und Popmusik genommen hat. Mit dem Blues-Revival in den 60er Jahren wurde diese so emotionsgeladene, aber damals fast vergessene Musik zu einem folgenreichen Hörerlebnis für so viele Musiker und Bands östlich wie westlich des großen Teichs, die sich denn auch in die Tradition des Blues stellten und ihn zum Ausgangspunkt für neue Formen des musikalischen Ausdrucks nahmen. Aber wo kommt der Blues eigentlich her? Der Hörbuchsprecher und Autor Volker Braumann macht sich in diesem Audiobuch auf die Reise ins Herzland des Blues, dem Mississippi-Delta, und stellt in einfühlsamen biografischen Skizzen Leben und Musik von sechs großartigen Bluesmusikern dieses Landstrichs vor, angefangen von Charlie Patton und Son House, über Robert und Tommy Johnson bis hin zu Bukka White und Muddy Waters. Lebendig und mitreißend geschildert, sehen wir so die Portraits von sechs außergewöhnlichen Musikern vor uns, die dem Country-Blues ihrer Zeit mehr als nur neue Akzente hinzufügten und durch ihr aufregendes Spielen dem Rock den Weg ebneten.

Inhalt des Hörbuchs

1. Anfahrt
2. Charlie Patton
3. Son House
4. Robert Johnson
5. Tommy Johnson
6. Bukka White
7. Muddy Waters

In deiner Audible-Bibliothek findest du für dieses Hörerlebnis eine PDF-Datei mit zusätzlichem Material.