Ungekürztes Hörbuch "Die Pianisten: Zeitlos - Virtuos"
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten - Spezial 1
Trompeten und Posaunen, nicht exakt der Tonleiter zuordenbare „Blue notes“ – alles was in der sogenannten „klassischen“ Musik verpönt ist, ist im Jazz gang und gäbe. Doch da gibt es ein Instrument, auf das all das nicht zutrifft. Das Klavier mit seinen 88 Tasten in unveränderbarer Tonhöhe und Tonqualität dürfte eigentlich in der Jazzgeschichte gar keine Rolle spielen. Noch dazu, wo es im frühen New Orleans Jazz, als die Bands durch die Straßen zogen und an den belebten Plätzen der Stadt ihre „cutting contests“ austrugen, aus verständlichen Gründen nicht einsetzbar war. Und wenn man bedenkt, dass ein großer Teil der frühen Jazzmusiker aus der Unterschicht kam, das Musizieren nur neben einem Hauptberuf ausübte, und in den Haushalten der Handwerker, der Arbeiter kaum ein Klavier vorhanden war, dann könnte man denken, dass es nicht unbedingt zu den bevorzugten Instrumenten der schwarzen Musiker gehörte. Und doch war das Gegenteil der Fall.
Jazz – für viele ein Zauberwort, für manche vielleicht eine Drohung. Ein vielfach missbrauchtes Wort, nicht nur in unseren Tagen. Ein Sammelbegriff, unter dem man sich sehr Verschiedenes vorstellen kann: rhythmische Tanzmusik, wilde Klänge aus den schwarzen Ghettos amerikanischer Großstädte, fröhlichen Sound an einem warmen Sommerabend, coole Atmosphäre an der Bar zu später Stunde, laszive Begleitmusik zu schwüler Erotik, ausgeflippten Sound für schräge Typen, aber auch hochkonzentrierte Kammermusik für intellektuelle Ansprüche. Wie viel auch immer darüber diskutiert werden kann – die Jazzfans werden sich nie darüber einig sein, wo der Jazz anfängt und wo er aufhört. In einem Punkt herrscht aber – fast – Einigkeit. Wenn man das breit aufgefächerte Spektrum der Jazzmusik auf die ersten Anfänge, auf die Wurzeln zu fokussieren versucht, so treffen sich die unterschiedlichsten Ansichten an einem geografischen Punkt, in New Orleans, der Crescent City an der Krümmung des Mississippi, knapp bevor sich dieser in den Fluten des Golfs von Mexiko verliert. Eine geografische Lage, die der Stadt durch die Launen der Natur in neuester Zeit zum Verhängnis geworden ist, die ihr aber vor etwas mehr als einem Jahrhundert zur Geburt eines Musikstils verholfen hat, der sich von ihr aus über weite Teile der USA, dann über Europa und inzwischen über die ganze Welt verbreitet hat. Wenn es einen Terminus „Weltmusik“ gibt, dann verdient sich ihn der Jazz, denn er liefert den Musikern fast aller Kulturländer eine gemeinsame musikalische Sprache, in der man sich spontan verständigen kann.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 1
New Orleans, um die Wende zum 20. Jahrhundert der Schmelztiegel unterschiedlicher Kulturen im Südosten der Vereinigten Staaten, gilt einigermaßen unbestritten als der Geburtsort eines neuartigen Musikstils, der sich später unter der Bezeichnung Jazz in den USA verbreitete und in seinen mannigfaltigen Formen die zivilisierte Welt eroberte. Man muss allerdings unterscheiden: zwischen dem Entstehungsort – der ist in weiten Teilen der Südstaaten anzusiedeln – und dem Geburtsort, wo die neue Musik zum ersten Mal an die Öffentlichkeit gelangte. In der unterhaltungsfreundlichen Atmosphäre der Stadt New Orleans verschmolzen die Musikstile der ehemaligen schwarzen Sklavenbevölkerung der Südstaaten mit der französisch-europäischen Musiktradition der Kreolen und wandelten sich in eine faszinierende Mischung aus Ragtime, Blues, Spiritual, Marschmusik und afro-amerikanischen Tanzrhythmen.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 2
Am Anfang der zwanziger Jahre war der beste Jazz eindeutig in Chicago zu hören, und doch war New York bereits im Begriff, der “Toddling Town” den Rang abzulaufen. Was New York den Musikern zu bieten hatte, war nicht so sehr musikalischer, sondern eher organisatorischer Natur. Hier waren die großen Konzertagenturen zuhause, von hier aus starteten die Tourneen durch die Staaten und hierher kehrten sie zurück. Hier gab es jede Menge an Lokalen, Clubs, Bars, Ballsälen, Varietétheatern, Restaurants, Saloons, Cafés, After Hour-Clubs, Speakeasys – mit einem Wort: Auftritts- und damit Verdienstmöglichkeiten en masse, wie sie keine andere Stadt zu bieten hatte. Und hier hatten auch die großen Plattenfirmen ihren Sitz, später kamen noch die Rundfunkgesellschaften dazu. Der nördliche Teil von Manhattan war das Zentrum mit dem Lincoln Theatre, dem Apollo Theatre, und Harlem mit dem Cotton Club oder Connie’s Inn.
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New York war in den späten zwanziger Jahren der Sammelpunkt von Musikern, die nicht nur aus Chicago, sondern aus allen Teilen des amerikanischen Südens und des mittleren Westens gekommen waren und im reichen Musikleben der Stadt ihr Betätigungsfeld gefunden hatten. Genau betrachtet war es nur die Band von Fletcher Henderson, die hier im „Big Apple“ entstanden war und auch zeit ihres Bestehens hier tätig blieb. Alle anderen Bands hatten ihre Wurzeln anderswo, und man darf nicht übersehen, dass es auch in vielen anderen Städten eine lebhafte musikalische Unterhaltungsszene gab. Ob nun in St. Louis, Dallas, San Antonio, Cincinnati oder Kansas City – die Bands orientierten sich entweder an den Kollegen, die aus New Orleans flussaufwärts die neue Jazzmusik bekannt gemacht hatten, oder sie entwickelten ihren eigenen regionalen Stil. Nur in den seltensten Fällen hatten die lokalen Bands Gelegenheit zu Schallplattenaufnahmen, und daher wissen wir wenig über ihre musikalischen Qualitäten. In St. Louis spielte zum Beispiel Charles Creath mit seinen Jazz-O-Maniacs unter starkem Einfluss von King Oliver und Jelly Roll Morton, während die Missourians wiederum an die lokale Blasmusiktradition anknüpften.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 4
Wir hören das Wort “Swing” und verbinden es automatisch mit den Big Bands, die in den dreißiger Jahren die Szene beherrschten. Der Begriff „beherrschen“ stimmt dann, wenn wir unter Szene die Dance Halls und die Ballsäle der großen Städte verstehen und die breite Masse des Publikums, der es um das Tanzen und um die Unterhaltung ging. Daneben etablierte sich aber auch eine andere Szene: in den kleinen Clubs von New York, aber auch in anderen Städten. Dort spielten kleine Gruppen, vor einem Publikum, dem es mehr ums Zuhören ging. Meist waren die Musiker Mitglieder der großen Bands. Dort verdienten sie ihren Lebensunterhalt, wenn sie auch nur sporadisch Gelegenheit hatten, als Solisten ins Rampenlicht zu treten.
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Die amerikanische Musikszene wurde in der zweiten Hälfte der dreißiger Jahre eindeutig vom Swing-Stil beherrscht. Die Big Bands in den Tanzhallen und die kleinen Swing-Combos in den Clubs boten nicht nur stimmungsvolle Unterhaltungsmusik, dort wie da waren auch großartige Solisten am Werk. Die Arrangements in den großen Bands ließen immer wieder auch die Stars der Ensembles zu Wort kommen, und in den kleinen Gruppen stand ja überhaupt das solistische Spiel im Mittelpunkt. Im Publikum dominierten nicht nur die Tänzer. Es gab auch in zunehmendem Maße die anspruchsvollen Fans, die kamen, um zuzuhören, um das ausdrucksstarke Spiel ihrer Lieblinge zu bewundern. Und immer mehr wuchs auch das Interesse des Jazzpublikums an den Hintergründen der Musik, es entstand die erste Jazzfachliteratur. Man beschäftigte sich mit den historischen Fakten, mit den Biografien der Jazzpioniere. Und es erhob sich die Frage, was aus den Hauptakteuren der frühen Jazzstile geworden war.
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Wir blenden zurück in die Zeit um 1940. Der Jazz ist für viele Amerikaner und auch für so manchen Europäer kein unbekannter Begriff mehr. Die Jazzmusiker haben sich einen festen Platz in der Unterhaltungsmusik erkämpft. „Swing“ heißt das neue Zauberwort, und es steht für eine rhythmisch aufregende, mitunter aber auch süßlich-sanfte Tanzmusik. Die Auftritte der Bands in den Dance Halls werden von den Radiostationen gesendet und machen die Swingnummern in ganz Amerika bekannt und populär. Die Chefs einiger groß besetzter Bands haben sich einen Namen gemacht – Benny Goodman gilt als der „King of Swing“, aber auch Glenn Miller, Tommy und Jimmy Dorsey oder Artie Shaw und Harry James kennt bald jeder. Die Schallplattenfirmen bringen jede Menge neuer Produktionen auf den Markt, in den US-Unterhaltungsfilmen sind die Musiker und Sänger in einzelnen Szenen zu sehen.
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“Things To Come” – so war eine Aufnahme des Trompeters Dizzy Gillespie mit seiner Big Band vom Juli 1946 benannt: “Die Dinge, die da kommen sollten”, das war nicht bloß ein beliebiger Titel, sondern eher schon eine programmatische Ansage. Der neue musikalische Stil, den man Bebop nannte, bedeutete den Aufbruch in eine neue Ära des Jazz. Dessen waren sich die namhaften Vertreter dieser Stilrichtung sehr wohl bewusst. Erstmals betrachteten sich Jazzmusiker nicht mehr nur als Unterhalter des Publikums, sie waren überzeugt, mit ihrer Musik etwas Besonderes in die Welt zu setzen. Mit einem Wort: sie empfanden sich als Künstler. Und so wie viele Künstler anderer Sparten befanden sie sich in einer Außenseiterrolle.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 8
Die Geschichte des Jazz war von ihren Anfängen im Süden der USA bis zur Hochblüte des Swing-Stils eng mit dem Begriff „hot“ verbunden, dem englischen Begriff für „heiß“ und auch „scharf“. Übersetzt in die musikalische Sprache bedeutete das: emotional, ungestüm, expressiv, und was die Tonbildung betrifft: rauh, unrein, mit viel Vibrato, der menschlichen Stimme angenähert. Auch der Bebop entsprach noch diesen Idealen, und dennoch begannen die Musiker dafür ein Adjektiv anzuwenden, das sprachlich scheinbar das genaue Gegenteil von „hot“ bedeutete: „cool“. So gab Charlie Parker bei seiner bemerkenswerten Schallplattensitzung vom 19. Februar 1947 einer der Nummern den Titel „Cool Blues“.
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Es war Anfang der 1950er Jahre, als plötzlich die kalifornische Jazzszene ins Zentrum des Interesses der Jazzliebhaber in aller Welt rückte. Ein neues Zauberwort war geboren: „West Coast Jazz“, geprägt vom Jazzkritiker Stanley Dance. Die Fachleute sind sich heute noch nicht ganz einig, ob darunter ein eigener Jazzstil zu verstehen ist oder nur ein Ableger des „Cool Jazz“, aber das ist eine rein theoretische Frage, ein Produkt des sogenannten „Kastldenkens“, wenn man versucht, jedes Phänomen um jeden Preis irgendwo einzuordnen. Tatsache ist aus heutiger Sicht: Es gab eine spezifische Form des Modern Jazz, die etwas mehr als fünf Jahre lang die Gemüter der Jazzfans bewegte und dann wieder sehr rasch in den Hintergrund rückte. Manches davon ist zu Recht in Vergessenheit geraten, aber eine ganze Menge Aufnahmen von der amerikanischen Westküste haben das halbe Jahrhundert überdauert und sind auch heute noch mit größtem Vergnügen anzuhören.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 10
“Things To Come” – so war eine Aufnahme des Trompeters Dizzy Gillespie mit seiner Big Band vom Juli 1946 benannt: “Die Dinge, die da kommen sollten”, das war nicht bloß ein beliebiger Titel, sondern eher schon eine programmatische Ansage. Der neue musikalische Stil, den man Bebop nannte, bedeutete den Aufbruch in eine neue Ära des Jazz. Dessen waren sich die namhaften Vertreter dieser Stilrichtung sehr wohl bewusst. Erstmals betrachteten sich Jazzmusiker nicht mehr nur als Unterhalter des Publikums, sie waren überzeugt, mit ihrer Musik etwas Besonderes in die Welt zu setzen. Mit einem Wort: sie empfanden sich als Künstler. Und so wie viele Künstler anderer Sparten befanden sie sich in einer Außenseiterrolle.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 8
Die Geschichte des Jazz war von ihren Anfängen im Süden der USA bis zur Hochblüte des Swing-Stils eng mit dem Begriff „hot“ verbunden, dem englischen Begriff für „heiß“ und auch „scharf“. Übersetzt in die musikalische Sprache bedeutete das: emotional, ungestüm, expressiv, und was die Tonbildung betrifft: rauh, unrein, mit viel Vibrato, der menschlichen Stimme angenähert. Auch der Bebop entsprach noch diesen Idealen, und dennoch begannen die Musiker dafür ein Adjektiv anzuwenden, das sprachlich scheinbar das genaue Gegenteil von „hot“ bedeutete: „cool“. So gab Charlie Parker bei seiner bemerkenswerten Schallplattensitzung vom 19. Februar 1947 einer der Nummern den Titel „Cool Blues“.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 9
Wir schreiben das Jahr 1932. Cab Calloway, der Bandleader und Sänger, ist einer der bekanntesten Persönlichkeiten in der amerikanischen Musikszene. Das breite Publikum kennt ihn weniger wegen der Qualität seiner Band, sondern als den „Hi-De-Ho-Man“, der in seine Gesangstexte immer wieder diese paar charakteristischen Silben einbaut...
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten - Spezial 2
“Things To Come” – so war eine Aufnahme des Trompeters Dizzy Gillespie mit seiner Big Band vom Juli 1946 benannt: “Die Dinge, die da kommen sollten”, das war nicht bloß ein beliebiger Titel, sondern eher schon eine programmatische Ansage. Der neue musikalische Stil, den man Bebop nannte, bedeutete den Aufbruch in eine neue Ära des Jazz. Dessen waren sich die namhaften Vertreter dieser Stilrichtung sehr wohl bewusst. Erstmals betrachteten sich Jazzmusiker nicht mehr nur als Unterhalter des Publikums, sie waren überzeugt, mit ihrer Musik etwas Besonderes in die Welt zu setzen. Mit einem Wort: sie empfanden sich als Künstler. Und so wie viele Künstler anderer Sparten befanden sie sich in einer Außenseiterrolle.
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten 8
Wir schreiben das Jahr 1932. Cab Calloway, der Bandleader und Sänger, ist einer der bekanntesten Persönlichkeiten in der amerikanischen Musikszene. Das breite Publikum kennt ihn weniger wegen der Qualität seiner Band, sondern als den „Hi-De-Ho-Man“, der in seine Gesangstexte immer wieder diese paar charakteristischen Silben einbaut...
Was Sie schon immer über Jazz wissen wollten - Spezial 2
Wie die Familie Bach im Alltag lebte, Händel sich kurieren ließ und Telemann sein Geld anlegte Bruno Preisendörfers Zeitreise führt in die Zeit der Fürstenfeste und Bauernhochzeiten, der Stadtpfeifer und Bierfiedler, der Kaffeehäuser und Kastraten - nämlich ins Barock. Das Deutschland, in das wir mit Bruno Preisendörfer reisen, war erfüllt von der Musik tausender Hoforchester, Kirchenorgeln und Chöre, ob zur Unterhaltung des Adels, zu jedem Gottesdienst oder auf den Dorffesten der einfachen Leute - immer wurde gefiedelt, geflötet und getrommelt. Und es wurde komponiert: Musik, die bis heute weltweit die Menschen beeindruckt und berührt. Bruno Preisendörfer nimmt uns mit in das Leben der Menschen im Barock, in die Zeit der großen Komponisten Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel und Georg Philipp Telemann.
Reise in die Bachzeit
Beethoven hat Christian Thielemann auf seinem musikalischen Lebensweg begleitet wie kaum ein anderer Komponist. Es ist das von Grund auf Menschliche an Beethovens Musik, das für Thielemann den Kern ihrer Faszination ausmacht. Der Meisterdirigent, der wie wenige vor ihm in die Werkstatt Beethovens geschaut und die Spuren seines Genies gesucht hat, erklärt, warum wir Beethoven noch immer brauchen und welche enormen Schwierigkeiten sich bei ihm für jeden Dirigenten stellen. Er geht der unübertroffenen Größe seiner Symphonien nach und natürlich der Frage, wie man Beethovens Musik heute spielen kann.
Die Königin des Rock'n'Roll.
"Liebe hat mein Leben gerettet. Davon will ich erzählen." Tina Turner, die Königin des Rock 'n' Roll, wird bald 80 Jahre alt. Unter dem Eindruck einer lebensbedrohlichen Erkrankung, die sie aufgrund einer wunderbaren Wendung überwinden konnte, schildert sie erstmals ihre ganze Geschichte.
"Private Dancer", "Simply the Best", "I Can't Stand the Rain" - jeder, der Tina Turners Musik hört, ahnt etwas von ihrer Energie. Ihr Lebenswille und nie versiegender Mut brachten sie aus der Enge der Kindheit in Tennessee auf die Bühnen der Welt. Mit ihrem zweiten Ehemann Erwin Bach durfte sie schließlich auch das lang ersehnte persönliche Glück erleben.
Die Autobiografie
Die Motive werden dabei in der Reihenfolge ihres Erscheinens im "Ring" vorgestellt. So kann man die Motive jeweils leicht erkennen und ihre Entwicklung verfolgen. Ganz nebenbei wird auf diese Weise die komplizierte Handlung des "Ring" vermittelt. Die vorgestellten Leitmotive bilden mithin den roten Faden durch sechzehn Stunden "Ring"-Musik. Die Handlung wird hier also nicht isoliert wiedergegeben, sondern lehnt sich eng an die musikalische Entwicklung an: Über die musikalischen Grundbausteine des "Ring" und deren Entwicklung erklärt sich der Handlungsablauf wie von selbst.
Auch mit dieser Ausgabe des "Klassik(ver)führers" soll Lust auf mehr gemacht werden, möglicherweise gar auf das gesamte Werk. Er richtet sich demnach zunächst an Einsteiger und Wagner-Neulinge und soll auf einfache und nachvollziehbare Weise die Faszination der Musik Wagners vermitteln und die musikdramatische Sprache der mythischen Welt im "Ring des Nibelungen" zu entschlüsseln und verstehen helfen. Aber auch dem bereits erfahrenen Hörer kann dieses Werk als eine Art "Repetitorium" für den "Beziehungszauber der Leitmotive" (Thomas Mann) in Wagners "Ring" dienen.
Das Hörbuch zur Geschichte der Donots. April 1994: Fünf Schulfreunde spielen mit ihrer Band namens Donots in einem Ibbenbürener Jugendzentrum namens Scheune ihr erstes Konzert. Aus Langeweile, weil einem in der westfälischen Provinz kaum etwas anderes übrig bleibt, als eine Band zu gründen. Aus Leidenschaft für die Musik, weil Bad Religion, Nirvana oder The Clash ihnen vorgemacht haben, wie weit man es mit dreieinhalb Akkorden bringen kann. Und weil die Punkrock-Ideale, der politische und ethische Überbau sowie das Do-it-yourself-Credo in den Teenagern etwas entzünden, das nicht so leicht zu löschen ist.
Die größte Challenge ihres Lebens: Eva Ries und der Wu-Tang Clan. Sie sind unangepasst, wütend und stets auf Ärger aus – und sie erfinden den Hip-Hop neu. Von Beginn an lehren die Members des Wu-Tang Clan, allen voran der völlig irrationale Ol' Dirty Bastard, jeden das Fürchten. Doch die junge Musikmanagerin Eva Ries lässt sich davon nicht abschrecken. In New York City erarbeitet sie sich den Respekt des Clans und gehört über zwanzig Jahre lang zum engsten Kreis der größten Hip-Hop-Band der Welt.
In diesem Hörbuch gibt sie exklusive Einblicke in die Welt des Wu-Tang Clan und das Musikbusiness der 90er Jahre. Die berühmten amerikanischen Rapper hautnah erleben: Unveröffentlichte Stories und exklusives Insider-Wissen- Ein authentisches Hörbuch mit Nostalgiefaktor: Zeitreise in die frühe Zeit des Hip-Hops. Mit ihrer Biografie erzählt Eva Ries ein Stück Musikgeschichte – persönlich, ungeschönt und hoch spannend!
Im engsten Kreis der größten Band der Welt
Ferris MC, das "Reimemonster" namens Sascha Reimann, startete seine Karriere in schwierigen familiären Verhältnissen und unter schlechtesten Voraussetzungen. In seiner Autobiografie reflektiert er seine Entwicklung vom blassen dünnen Jungen aus einem Bremer Ghetto-Vorort mit Hang zu erhöhtem Graskonsum hin zu einem ernstzunehmenden (aber immer noch drogenanfälligen) Musiker in Hamburg, der in den 90er-Jahren größere Bekanntheit erlangt.
Mit locker-leichtem Hang zur Selbstironie nimmt Ferris die Leser*innen mit in die Anfänge seiner Karriere, in die Zeit der Mongo Clikke und der aufsteigenden Hip-Hop-Szene in Hamburg. In die Phase, in der er sein Alter Ego Ferris MC begräbt, einen Entzug hinter sich bringt, Deichkind beitritt und wieder verlässt und vieles mehr. Eine heitere wie verrückte Achterbahnfahrt durchs Leben mit norddeutschem Lokalkolorit und einem sympathisch-verpeilten Protagonisten, der in sich in seinen jungen Erwachsenenjahren von einer haarsträubenden Episode zur nächsten hangelt, der mehrmals am Boden ist, aber immer wieder aufsteht und am Ende sein Glück findet.
Kein Roman
Wer weiß, ob die Welt jemals von Elvis Presley gehört hätte, wenn Colonel Tom Parker nicht gewesen wäre: einer der skrupellosesten und geheimnisvollsten Manager, die es im Rockbusiness je gab. Elvis' Karriere ist ohne ihn undenkbar, weshalb sich Warner Bros. auch entschieden hat, James L. Dickersons Biografie als Grundlage für den Kinofilm Elvis (ab Juni 2022 im Kino) von Baz Luhrmann zu nehmen, in dem Oscar-Preisträger Tom Hanks in der Rolle des Colonel Tom Parker brilliert.
Seit 1938 managte er Sänger und Musiker, bis ihm 1955 sein Bravourstück mit der Entdeckung des jungen Elvis Presley gelang. Colonel Tom Parker zeichnet das fesselnde Porträt eines rücksichtslosen Machtmenschen, der mit seinem manipulativen Genie neue Weg bei der Vermarktung von Künstlern erschloss und der Erste war, der aus seinem Star eine Marke machte. Dadurch, dass Parker stets an Elvis' Seite war und jeden Schritt des Sängers kontrollierte, bringt dieses Hörbuch auch viele neue Details über das Leben Elvis Presleys ans Licht – ein Muss für Fans des "King", die ihren Star einmal aus einem neuen Blickwinkel betrachten wollen.
Die Radio-Legende und Stimme des ESC: Seit Jahrzehnten prägt Peter Urban die deutsche Radiolandschaft - als legendär trockener Kommentator des Eurovision Song Contests, als Moderator verschiedener Musiksendungen, inzwischen auch als Podcaster. Offen und unprätentiös beobachtet er seit fast 50 Jahren als Popexperte die nationale und internationale Musikszene und hat in seiner langen Laufbahn unzählige Popgrößen getroffen, interviewt und porträtiert - von Keith Richards über Yoko Ono zu David Bowie, Elton John, Joni Mitchell, Harry Belafonte und Eric Clapton. Mit diesem Buch legt er nun seine Memoiren vor, den Soundtrack eines Lebens, das beruflich wie privat immer von der Musik geprägt war.
Die Reise beginnt in den 1950er Jahren in Niedersachsen, wo sich die Familie Urban nach der Flucht aus dem Sudetenland eine neue Heimat aufbaut. Schon früh kommt Peter Urban im Familienorchester "Urbani" mit Musik in Kontakt, doch seine Leidenschaft ist nicht die Klassik, sondern die neue Musik von der Insel. In den 1960er Jahren beginnt die andauernde Liebesbeziehung zu England, seine andere große Liebe ist der HSV, wo er zeitweilig auch Stadionsprecher ist. Seine Lust an neuen Stilformen ist später der Schlüssel zum großen Erfolg seiner Musiksendungen.
In diesem Hörbuch erzählt Peter Urban von seinem bewegten Leben, zugleich von einem Stück internationaler Musikgeschichte made in Hamburg.
Die Radio-Legende und Stimme des ESC
Was ist noch Musik und was bloß ein Geräusch?
Musikwissenschaftlerin Prof. Dr. Melanie Unseld erklärt anschaulich, was eine Oper von Kammermusik unterscheidet und zeigt, wie sich unsere Musikkultur entwickelt hat. Spannende Interviews im Anschluss an jede Lektion mit renommierten Musik-Akteuren geben zudem exklusive Einblicke hinter die Kulissen.
Warum klingen dieselben Stücke immer wieder anders?
- Lernen Sie wie Interpreten arbeiten und wie die Töne in der neuen Musik anders gedacht werden.
- In dem Hörbuch« Klassische Musik» erfahren Sie in 8 Lektionen alles über Interpretation, Neue Musik, Kammermusik, das Klavier und mehr.
In Ihrer Audible-Bibliothek finden Sie für dieses Hörerlebnis ein Begleitbuch als PDF-Datei.
Die Vielfalt der Klassik neu entdecken und verstehen
Rick Rubin, einer der erfolgreichsten Musikproduzenten der Welt, verrät in seinem Hörbuch alle wichtigen Prinzipien, um wahrhaft schöpferisch zu sein. Kreativ. Die Kunst zu sein ist eine weise und überaus klare Quintessenz seines Lebenswerks. Es beleuchtet den Weg des Künstlers in einer Weise, dass wir ihm alle folgen können. Es führt uns zu den magischen Momenten von Hochstimmung und Transzendenz, in denen alles möglich ist.
Viele berühmte Musikproduzenten sind für einen bestimmten Sound bekannt, der seine Zeit hat. Rick Rubin ist für etwas anderes bekannt: einen Raum zu schaffen, in dem Künstler:innen aller unterschiedlichen Genres und Traditionen zeigen können, wer sie wirklich sind und was sie wirklich zu bieten haben. Er hilft Menschen dabei, ihre selbst auferlegten Erwartungen zu überwinden, um sich wieder mit einem Zustand ursprünglichen Offenseins zu verbinden, aus dem Überraschendes entstehen kann.
Im Laufe der Jahre, in denen Rick Rubin intensiv darüber nachgedacht hat, woher Kreativität kommt und woher nicht, hat er gelernt, dass es bei Künstler:innen nicht um ihre spezifische Leistung geht, sondern um ihre Beziehung zur Welt. Kreativität hat einen Platz im Leben eines jeden, und jede:r kann diesen Platz erweitern.
"Eigentlich wollte ich ein Buch darüber schreiben, was es für ein großes Kunstwerk braucht, stattdessen offenbarte es sich als ein Buch darüber, wie man kreativ ist."
Barack Obamas Buch-Highlight 2021
Als Michelle mit Mitte zwanzig erfährt, dass ihre Mutter an Krebs erkrankt ist, steht die Welt für sie still. Sie lässt ihr bisheriges Leben in Philadelphia zurück und kehrt heim nach Oregon, in ihr abgelegenes Elternhaus, um ganz für ihre Mutter da zu sein. Doch schon ein halbes Jahr später stirbt die Mutter. Michelle begegnet ihrer Trauer, ihrer Wut, ihrer Angst mit einer Selbsttherapie: der koreanischen Küche. Sie kocht all die asiatischen Gerichte, die sie früher mit ihrer Mutter aß und erinnert sich dabei an die gemeinsame Zeit: an das Aufwachsen unter den Augen einer strengen und fordernden Mutter; an die quirligen Sommer in Seoul; an das Gefühl, weder in den USA noch in Korea ganz dazuzugehören. Und an die Körper und Seele wärmenden Gerichte, über denen sie und ihre Mutter immer wieder zusammengefunden haben.
Dieses Hörbuch enthält 75 Minuten Heilmusik als reiner Klang zur Meditation und Raumreinigung sowie zusätzliche gesprochene Tracks mit Informationen über die Kompositionen, die verwendeten Frequenzen und den Musiker.
KENNEN SIE KOLLOIDALES MAGNESIUM?
Die vorliegenden Aufnahmen arbeiten mit der Schwingungsfrequenz von reinem Magnesium, die jede noch so kleine Zelle des Körpers erreicht. Das ist vergleichbar mit den Partikeln von kolloidalem Magnesium, die so fein sind, dass sie im menschlichen Organismus die Gesundheit wiederherstellen können. Reines Magnesium entspannt im Körper die Muskeln und verhindert Muskelkrämpfe. Es ist ein natürliches Anti-Stress-Mittel, reguliert den Blutdruck und beugt Herzrhythmusstörungen vor. Es lenkt den gesamten Stoffwechsel, bringt unser Nervensystem zur Ruhe, festigt unsere Knochen und verleiht uns Ausdauer und Kraft. Ohne Magnesium läuft im Körper nichts. Durch seine vielfältige Wirkung ist es der wertvollste Mineralstoff unserer Zeit, ein förmliches Powermineral für jedes Alter. Es ist der Tausendsassa unter den Mineralstoffen.
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Die Frequenzen von reinem Magnesium liegen unter 100 Hertz. Die Messungen wurden freundlicherweise von Dr. Elmar Langenscheidt durchgeführt. Das Booklet zeigt auf einem Studiobild die Einsätze dieser Frequenzen im Laufe des Stücks. Die Basisstimmung liegt bei 432 Hertz.
Auf »Kolloidales Magnesium« werden folgende Instrumente und Stimmen verwendet: Chor, Gitarre, Streicher, Solo-Cello, Synthesizer, Harfe, Flöte, Glockenspiel, Flügel, Hang sowie Bachrauschen und Vogelgezwitscher.
MICHAEL REIMANN, 1951 in Berlin geboren, studierte an der Kölner Musikhochschule Dirigieren und Chorleitung. Bekannt wurde er durch seine Solo-Konzerttätigkeit als Multi-Instrumentalist, Obertonsänger und Fachautor. Er war Darsteller beim Saarländischen Rundfunk, Lehrbeauftragter der Saarbrücker Musikhochschule und arbeitete unter anderem mit Joachim-Ernst Berendt und Christian Bollmann zusammen. Seit 1987 gibt er Konzerte und Seminare in ganz Europa. Mehrmals wurde er vom WDR Köln als Pianist engagiert. Studienreisen führten ihn unter anderem nach Bali, Indien und Japan. Im Amra Verlag liegen bereits zahlreiche CDs von ihm vor, teilweise in Zusammenarbeit mit Jeanne Ruland, Wolfgang Saus, Shantidevi und Kerstin Simoné.
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Stärkende Kompositionen für Herz, Kreislauf und Nerven
Bereit für die "Metal Gods"? Zusammen mit dem neuen Album von JUDAS PRIEST erscheint die passende Episode "ROCK SCHOOL"! Zu Gast sind Hardcore-Fan Schmier (Frontmann DESTRUCTION) und Scott Travis (Schlagzeuger JUDAS PRIEST) höchstpersönlich! Bloß keine "Panic Attack", aber diese Folge solltest Du nicht verpassen! "ROCK SCHOOL", die Hörbuch-Serie mit Andy Brings, in Kooperation mit dem ROCK CLASSICS-Magazin, veröffentlicht im Hause LAUSCH.
Rock School mit Andy Brings 9
Charly Hübner zeigt sein schriftstellerisches Talent. Selten wurde so leidenschaftlich über Musik geschrieben, selten so eindrücklich über den Effekt, den diese auf einen Jugendlichen haben kann. Dieses Hörbuch ist eine Schatzkiste voller Erinnerungen und Anekdoten eines Lebens, für das der Frontmann der lautesten Band der Welt seine berühmten Weisheiten geschrieben haben könnte: "I'm in love with rock'n'roll, it satisfies my soul". Ob als pickliger Jugendlicher in der Dorfdisko, wenn das erste Mal "The Hammer" gespielt wird, oder bei der Party nach der ersten Filmpremiere - immer ist Motörhead als Soundtrack dabei.
oder Warum ich James Last dankbar sein sollte
